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TEMPORADA 100.

48 AÑOS BAILANDO PARA TI

 

El Taller Coreográfico de la UNAM llega a su temporada 100 justo cuando cumple 48 años de existencia. La compañía fue creada por la maestra Gloria Contreras en septiembre de 1970 y dirigida por ella hasta su muerte acaecida en noviembre de 2015. En 45 años que estuvo al frente del TCUNAM, concretó con creces un proyecto cultural y artístico de gran envergadura dirigido en especial a la comunidad universitaria,  ávida de nuevas concepciones del arte y la cultura nacional e internacional.

En el marco de esta celebración, el TCUNAM suma cuatro obras a su repertorio, tres de ellas estrenos mundiales: Propitia Sydera, King Arthur y The Three Graces, más el estreno en México de Agua Viva.

Con música correspondiente al periodo barraco de los siglos XVII y XVIII, Diego Vázquez ―director artístico de la compañía― estrena Propitia Sydera, de Muffat, Boyce y Vivaldi y King Arthur, de Henry Purcell a finales de agosto en el reciente festival IM.PULSO Música Escena Verano UNAM para festejar la temporada número 100 del TCUNAM y la creación y debut del Coro de la Academia de Música Antigua (AMA-UNAM), dos acontecimientos de relevante importancia para la Coordinación de Difusión Cultural. En contraste con las piezas anteriores, el TCUNAM estrena Agua Viva, obra de la coreógrafa belga-colombiana Annabelle Lopez Ochoa, mientras que la coreógrafa francesa Sarah Matry-Guerre presenta su ballet The Three Graces (Las tres Gracias), con música de Murcof.

A esta Temporada 100. 48 años bailando para ti se  suman obras creadas por la maestra Gloria Contreras en diferentes periodos: Danza para mujeres, Eioua, Integrales, Obsesión, Opus 45, Rapsodia en azul, Redes, Réquiem de Mozart, Sensemayá, Sinfonía de los salmos y Sólo para un ángel contemporáneo.

Como parte de este 48 aniversario del TCUNAM, el domingo 9 de septiembre  en la Sala Miguel Covarrubias se develó la placa conmemorativa de las 100 temporadas de la compañía universitaria.  El Taller Coreográfico tendrá presencia fuera de la UNAM en dos sedes: Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la Ciudad de México y Teatro Macedonio Alcalá de Oaxaca (ver cartelera).

Del domingo 4 de noviembre al domingo 9 de diciembre en el vestíbulo de la Sala Miguel Covarrubias podrás visitar la exposición fotográfica Imágenes danzarias, poesía en movimiento, una retrospectiva con las fotografías más representativas del TCUNAM en 48 años de trabajo. ¡No te la puedes perder!

 

 
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AGUA VIVA

ESTRENO EN MÉXICO

Coreografía: Annabelle Lopez Ochoa

Música: Domingo Cura, Jean-Philippe Goude, Rachmaninov, Rashomon, Max Richter y Veljo Tormis

Asistente de coreografía: Stephanie Bauger

Diseño de iluminación: Annabelle López Ochoa en colaboración con Bienvenido Miranda

Diseño de vestuario: Diego Vázquez

Estreno: Palacio de Bellas Artes de República Dominicana, 2012/TCUNAM, 2018

Duración: 27’

Agua Viva, obra de la coreógrafa belga-colombiana Annabelle Lopez Ochoa, es una expresión de nuestro sentir, de nuestras inquietudes, de nuestra cultura de mar. Eso somos los caribeños, los latinos, los hispanos,... un torbellino de emociones y pasión. A través de ritmos musicales esta puesta en escena, creada para el Ballet Nacional Dominicano en octubre 2012 junto al Ballet Hispánico de New York, pone en alto nuestros orígenes tan estupendamente fundidos con diferentes colores y razas. 

Agua Viva no sólo en una pieza coreográfica, su autora la ha convertido en una cadena de sensaciones que da como resultado un pedazo de nuestra dominicanidad. 

 

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ALTO GIOVE 

Coreografía: Diego Vázquez

Música: Alto Giove, de Nicola Porpora        

Diseño de iluminación y vestuario: Diego Vázquez 

Estreno TCUNAM: 2017

Duración: 8’   

Un dueto creado a la voz e instrumentación de la obra Alto Giove del músico barroco italiano Nicola Porpora.

 

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DANZA PARA MUJERES

Dedicado a mi madre, Carmen Roeniger Glass

Coreografía: Gloria Contreras

Música: Fragmentos del Stabat Mater, de Giovanni  Battista Pergolesi

Diseño de vestuario: Marco Correa

Estreno mundial: Gloria Contreras Dance Company. Theresa L. Kaufmann Concert Hall, Nueva York, 1970

Estreno en México: Teatro Julio Jiménez Rueda, 1971

Duración: 20’ 45”  Es una de las obras más importantes de Gloria Contreras, fue estrenada en Nueva York en 1970. Anna Kisselgoff del New York Times la calificó como extraordinaria. Con mucha frecuencia la maternidad es inhibida en las bailarinas, Gloria Contreras luchó en su juventud por el derecho a ser madre y esta obra recoge esa experiencia. Los movimientos surgen del vientre, son movimientos de parturientas. La música es el Stabat Mater de Giovanni Battista Pergolesi y se refiere a la presencia de la virgen en la cruz llorando la muerte de su hijo. Pergolesi escribió esta obra mientras agonizaba por la tuberculosis, la partitura se encontró manchada con su sangre sobre la cama donde murió.

La danza transmite la pena de perder a un hijo. Para  Manuel  Blanco, Danza para mujeres es una pieza de indecible dolor, las cuatro mujeres danzan, dicen sin palabras su discurso, escarban hasta lo último y por un momento renace la vieja esperanza, ya son ellas  todas las mujeres.

GREGORIO LUKE

 

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EIOUA (BHAKTI)

Dedicado a sor Juana Inés de la Cruz y a mi padre, Gregorio Contreras Álvarez de la Cadena

Coreografía: Gloria Contreras

Música: Credo y Sanctus de la Misa de nuestra Señora, de Guillaume de Machaut

Diseño de iluminación: Kleómenes Stamatiades y José Cuervo

Diseño de vestuario: Sergio Zapata

Estreno mundial: Gloria Contreras Dance Company, Nueva York, 1962

Estreno en México: Ballet de Cámara. Morelia, 1962

Estreno: Palacio de Bellas Artes, México, 1971

Duración: 12' 10''

 

Ballet creado en Nueva York en 1962, está considerado la obra maestra de Gloria Contreras. Eioua es un término sánscrito que significa la búsqueda de lo divino o la otredad, es la única palabra que se escribe con las cinco vocales. Fue creado por encargo de George Balanchine y está basado en la Misa de Nuestra Señora de Guillaume de Machaut, compositor y poeta del siglo XIV. La intención original era recrear en danza las formas de los árboles del Central Park, pero lo que empezó como un ejercicio formal derivó en un significado más profundo: Eioua es una metáfora de la vida y los intentos de trascender la soledad. El  personaje principal intenta relacionarse con los otros pero al final encuentra que la fraternidad es imposible y se queda dramáticamente solo.

Eioua ha sido comparada con la obra de Albert  Camus y la idea del individuo andando su soledad en medio de la muchedumbre, pero tiene muchas lecturas. ¿Cómo no evocar el encierro de sor Juana o el momento en que Cristo se despide de sus amigos  más queridos? Pero de manera más amplia, Eioua es la soledad inevitable a la que todos estamos condenados, nacemos solos y moriremos solos también, la soledad es origen y destino. Cuando Balanchine vio Eioua le dijo a Gloria Contreras “no la toques es sublime”.

GREGORIO LUKE

 

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EXPERIENCIA

Coreografía: Andrés Arámbula

Música: Air, on the first star of the night, de Ezio Bosso y Experience, de Ludovico Einaudi

Diseño de vestuario: Andrés Arámbula

Estreno mundial: UNAM, 2017

Duración: 9’ 35”

 

Experiencia es un quinteto de mujeres que refleja el temperamento y personalidad  de cada una de ellas en su evolución de la niñez a la adultez. La obra está inspirada en la emblemática Danza para mujeres de Gloria Contreras.

 

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FALSE COGNATE

Coreografía: Diego Vázquez

Música: Concierto para piano en fa menor, opus 21, de Frédéric Chopin

Diseño de iluminación y vestuario: Diego Vázquez

Estreno mundial: México, 2014 / TCUNAM, 2018 

Duración: 22’

 

False Cognate es un unipersonal que parte de las confusiones o malas interpretaciones que el ser humano llega a tener, no en el diálogo con una o varias personas, sino consigo mismo. Cuando uno llega a creer cosas de sí mismo que son una mentira, una ilusión o un acertijo sin resolver.  Está inspirado en la relación que tiene el autor de la obra con la Biblia y la confrontación que sufre a través de ella.

False Cognate” es una expresión que se utiliza para describir cuando dos palabras de distintos idiomas se asemejan en la forma y pronunciación, pero tienen raíces distintas, por lo tanto distintos significados.

 

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Integrales (Los muertos en la plaza)

Dedicado a los presos políticos del 68 y a Eli de Gortari

Coreografía: Gloria Contreras

Música: Integrales, de Edgard Varèse

Poesía: Las masacres de Pablo Neruda

Diseño original de iluminación: Claudio Goeckler

Diseño de iluminación: Kleómenes Stamatiades y Jorge Solares

Diseño de vestuario: Julián Pablo

Estreno mundial: Teatro Julio Jiménez Rueda, México, 1971

Duración: 9' 41"

Comentario: El poema Las masacres de Pablo Neruda fue incluido en 2006 

Esta obra, con música del compositor francoamericano Edgard Varèse, fue sugerida a Gloria Contreras por Eduardo Mata. Era 1971 y la memoria del 2 de octubre de 1968  estaba aún fresca. El esposo de una de las maestras del Taller Coreográfico estaba detenido como preso político en Lecumberri y, sin que la autora se lo propusiera de manera consciente, el ambiente de tensión social fue introduciéndose poco a poco en la obra. Integrales se convirtió en expresión de la angustia y el sentimiento de rebelión y rebeldía; es un delirio maquinal hecho danza.

GREGORIO LUKE

 

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KING ARTHUR

ESTRENO

Coreografía: Diego Vázquez

Música: Suite de El Rey Arturo, de Henry Purcell

Diseño de iluminación: Gabriel Torres

Diseño de escenografía  y vestuario: Diego Vázquez

Realización de vestuario: Miguel Garabenta

Realización de escenografía: Roberto del Real

Estreno: UNAM, 2018

Duración: 25’

 

King Arthur está basado en una suite homónima de Purcell, cuya propuesta coreográfica deja a un lado el argumento de la semiópera (las batallas entre los britones del rey Arturo y los sajones) para enfocarse en la festividad, el dramatismo y el tono marcial que caracteriza la música de las escenas elegidas para esta representación.

 

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MEMORY OF SELF 

Coreografía: Sarah Matry-Guerre

Música: Sonata Claro de luna, de Ludwig van Beethoven

Estreno mundial: México, 2016 / TCUNAM, 2018  

Duración: 6'

 

The memory of self es una introspección de la vida de dos personas desde el punto de vista de una de ellas.

 

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OBSESIÓN

Coreografía: Gloria Contreras

Música: Cuarteto de cuerdas 1905, de Anton von Webern

Diseño de vestuario: Gabriel Rizo

Estreno: UNAM, 2001

Duración: 10’

Gloria Contreras elige el Cuarteto para cuerdas 1905 de Anton von Webern para retratar en Obsesión a un artista atormentado con la idea de perder la inspiración de sus musas.  

 

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Opus 45 (Besos)

Coreografía: Gloria Contreras

Música: Sonata opus 1, de Alban Berg

Diseño de iluminación y vestuario: José Cuervo

Estreno mundial: Teatro Ricardo Flores Magón, México, 1979

Duración: 11' 04''

Comentario: A partir de 2006, a la coreografía le antecede la audición del poema “Besos” en la voz de Tomás Segovia, su autor.

 

Dentro del repertorio coreográfico de Gloria Contreras hay solo dos obras cuyos títulos indican el orden de su creación: Opus  32, que aborda el tema de la muerte y Opus 45, que trata sobre el amor. Son obras paradigmáticas que cambian el rumbo de su coreografía. Dice la propia Gloria Contreras: “Esta obra es una de mis favoritas, desarrolla un amor erótico entre un hombre y una mujer. Hay una relación de  amor físico y psíquico profundos, un amor no disfrazado ni sublimado. Con esta obra obtuve una realización como coreógrafa y un logro como bailarina. En Opus 45 fue necesario romper muchas barreras para que los bailarines lograran entregarse totalmente y no fingir”.

En cuanto a su estética, Opus 45 se inspira en las esculturas de Rodin y rompe por completo con las convenciones del pas de deux clásico. La música es la Sonata Opus 1 de Alban Berg. En 2006 Gloria Contreras escuchó el poema  Besos de Tomás Segovia, le emocionó tanto que agregó el poema a la obra en voz de su autor y lo agregó al título de la danza.

GREGORIO LUKE

 

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PROPITIA SYDERA 

ESTRENO

Coreografía: Diego Vázquez

Música: Hanacpachap Cussicuinin para tambores, instrumental, solo y tutti (Anónimo quechua), Chacona Propitia Sydera, de Georg Muffat; Allegro, moderato e dolce y Allegro de la Sinfonía opus 2, núm. 1  en si bemol mayor, de William Boyce y Et in terra pax  del Gloria en re mayor RV 589, de Antonio Vivaldi

Diseño de iluminación: Gabriel Torres

Diseño de escenografía y vestuario: Diego Vázquez

Realización de vestuario: Miguel Garabenta

Realización de escenografía: Roberto del Real

Estreno: UNAM, 2018

Duración: 23’

 

Propitia Sydera es una coreografía basada en el quechua anónimo Hanacpachap Cussicuinin y la música de Muffat, Boyce y Vivaldi. Diego Vázquez toma como punto de partida la idea de la luz y la oscuridad, no sólo en sus acepciones literales, sino en lo que éstas representan para el ser humano. Propitia Sydera (astros propicios, estrellas favorecedoras) es el nombre de la chacona de Muffat que se utiliza para la segunda escena de la coreografía. Sin embargo, Vázquez utiliza el nombre de la pieza musical que refleja sin duda la idea de la luz en oposición con la oscuridad: estrellas que nacen y se consumen, la danza de una mujer cuya vida se apaga, el flujo del agua que en algún momento llega a su fin, la guerra que es superada por el amor.

 

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RAPSODIA EN AZUL

Dedicado a Gregorio Luke

Coreografía: Gloria Contreras

Música: Rapsodia en azul, de George Gershwin

Diseño de iluminación: Jorge Solares

Diseño de vestuario: Sabino Gaínza

Estreno mundial: UNAM, 1993  

Duración: 16' 26''

 

Rapsodia en azul es una coreografía de Gloria Contreras con la música homónima de George Gershwin, una de las obras más populares en la música contemporánea.

Gershwin creció en un  barrio pobre de Nueva York donde frecuentaba bares en los que se interpretaba música negra, tiempo después se convirtió en el primer compositor de música clásica en llevar el jazz a las salas de concierto. Su biógrafo Isaac Goldberg comparte estas palabras de Gershwin: “estaba en un tren, oía esos ritmos de acero tan estimulantes para un compositor y, de pronto, pude escuchar la música en el corazón del ruido…  Escuché y vi en el papel la rapsodia de principio a fin, la sentí como un caleidoscopio musical de América, con su crisol de razas y locura metropolitana. Cuando llegamos a Boston tenía la idea definitiva de cómo iba a ser  la pieza”.

En la creación del ballet, Gloria Contreras recurrió a sus vivencias neoyorquinas, donde el jazz era una experiencia cotidiana, pero además de la clara influencia negra Rapsodia en azul también tiene la exuberancia del Radio City Hall y los grandes desfiles americanos.

Jorge Solares recrea en la iluminación el paisaje neoyorquino y Sabino Gaínza las diversas tonalidades del azul en el vestuario, es una fiesta visual.

GREGORIO LUKE

 

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REDES

Coreografía: Gloria Contreras

Música: Redes, de Silvestre Revueltas

Estreno: UNAM, 1998

Duración: 16’

 

Silvestre Revueltas, el gran creador musical de México hizo la música para la película Redes en 1934. El proyecto había sido encomendado originalmente a Carlos Chávez, quien nunca perdonó a Revueltas por haberlo sustituido.

Aquella película, dirigida por Fred Zinnemann con la fotografía de Paul Strand, es  uno de los grandes antecedentes estéticos del cine mexicano. Es una película donde los diálogos se reducen a lo esencial y lo más importante se comunica con imágenes y música.

En el filme una comunidad de pescadores enfrenta la explotación de los comerciantes con el auxilio de un demagogo. En un momento de la cinta, el hijito del protagonista muere porque su padre no tiene dinero para curarlo. Trágicamente a Silvestre Revueltas le había ocurrido algo similar con su hija Natalia, por lo que la cinta adquirió un sentido profundamente personal.

En su ballet, Gloria Contreras retoma la trama esencial de la película,  presenta una comunidad de pescadores, traicionada por un esquirol. En el momento culminante, vemos el duelo entre el líder y el provocador terminando en la muerte del primero. Sin embargo, la comunidad continúa luchando y triunfa. Es una obra con fuerte sabor nacionalista que recrea la estética de la época de oro de la danza en México.

GREGORIO LUKE

 

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RÉQUIEM DE MOZART

Coreografía: Gloria Contreras

Música: Fragmentos de la (Misa) Requiem en re menor KV 626,  de Wolfgang Amadeus Mozart

Diseño de iluminación y vestuario: Germán Montalvo

Estreno mundial: UNAM, 1993

Duración: 31'

 

Gloria Contreras comentaría sobre el Réquiem de Mozart: “ha sido mi compañero desde que era niña, siempre ha estado conmigo. El ballet tiene nueve danzas que son interpretadas por doce bailarines. Es difícil describirlas, el camino para conocerlas es vivir a través de ellas la emoción que su  estética transmite, la gama es muy amplia en ritmos y dinámicas desde danzas de paz y tranquilidad hasta las vertiginosas. Poco a poco este réquiem adentra al ser humano a su propio interior en un camino de aventuras emocionales, música y danza se unen en un solo mundo que nos permite conocernos”. 

El  Réquiem de Mozart se bailó en una de las funciones más dramáticas del Taller Coreográfico de la UNAM en el extranjero. A escasos días de los ataques terroristas a las Torres Gemelas de Nueva York, la compañía se presentó los días 20, 21 y 22 de septiembre de 2001 en el California Plaza, un teatro al aire libre en el centro de Los Ángeles. Después de guardar un minuto de silencio se bailó el réquiem con los grandes rascacielos de la ciudad como escenografía, fue como una plegaria colectiva.

Wolfgang Amadeus Mozart nació en Salzburgo en 1756 y murió en Viena en 1791 a los 35 años, se le considera el genio musical  in excelsis,  único e incomparable. A los cinco años compuso música para clavecín, a los seis  recorrió Europa sorprendiendo a reyes y emperadores. Escribió una sonata a los siete años y una sinfonía a los ocho. En su juventud encontró que había declinado el interés del público, después vino mucha irritación y sufrimiento. En Salzburgo le dieron un humilde puesto como organista y compositor, se fue a Viena pero tampoco encontró suerte. Amaba la vida con pasión pero lo que más le gustaba era bailar a pesar de vivir en la miseria y de que realmente no se le reconociera en su etapa adulta, nunca dejó de escribir mucha y magnífica música. Un día apareció un extraño en su casa vestido de negro a pedirle  un réquiem, por lo que le pagarían bien, era un mensajero del conde  von Walsegg  que ordenaba trabajos que más tarde exhibía como propios. Para Mozart el misterioso emisario apareció como un enviado del  otro mundo que venía a pedirle que escribiera su propio réquiem. Sabía que estaba muriendo y se lanzó en una carrera por concluirlo. Como no pudo continuarlo, le explicó a su discípulo Süssmayr la manera de terminarlo. Mozart murió después de pedirles a sus amigos que cantaran con él la lacrimosa. Muy pocos acompañaron su féretro, fue enterrado en una fosa común.

GREGORIO LUKE

 

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SENSEMAYÁ

Coreografía: Gloria Contreras

Música: Sensemayá, de Silvestre Revueltas

Diseño de escenografía y vestuario: Carlos Mérida

Diseño de vestuario: Kleómenes Stamatiades

Estreno: Nueva York, 1965

    México, 1965

    UNAM, 1980 (nueva versión)

Duración: 7’

 

Esta obra fue creada por Gloria Contreras con música de Silvestre Revueltas en 1962. En Estados Unidos se vivían entonces en enormes tensiones raciales, el país era sacudido por un poderoso movimiento en defensa de los derechos civiles de los afroamericanos. Silvestre Revueltas se inspiró en un poema de Nicolás Guillen que recrea las danzas rituales para matar a una culebra.

Gloria Contreras conservó la idea general pero le dio un significado completamente distinto. En su danza, la serpiente es un bailarín negro acosado y destruido por una comunidad de blancos. La obra se creó como una respuesta a un linchamiento que acababa de ocurrir. Desde su estreno, Sensemayá se convirtió en una  obra controversial  pues cada vez que se bailaba la compañía recibía amenazas e insultos. En 1980 durante su montaje en México, el papel de la serpiente no fue interpretado por un bailarín afroamericano, lo que le dio a la obra un significado distinto: lo que se denunciaba no era el racismo sino la exclusión a un rebelde o desadaptado. Cabe destacar también la excelente escenografía y vestuario de Kleómenes  Stamatiades que realza el dramatismo y esencia de la obra.

GREGORIO LUKE

 

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SINFONÍA DE LOS SALMOS

Dedicado a Gregorio Luke

Coreografía: Gloria Contreras

Música: Sinfonía de los salmos, de Igor Stravinsky

Diseño de iluminación, escenografía y vestuario: José Cuervo

Estreno mundial: UNAM, 1981

Duración: 20' 20''

 

Afirma Manuel Blanco,  Sinfonía de los salmos  “es una obra de religiosidad profunda,  es una danza de la relación humana, de la búsqueda solidaria y del inevitable cuestionarse del hombre a sí mismo y al mundo al que se debe”. La música, compuesta por Igor Stravinsky en 1930,  es una de sus obras maestras, usa entre otros salmos uno de los más populares, el 150. “Siempre lo consideré como una canción para ser bailada, como David danzó ante el arca”, dice  Stravinsky. La obra termina con un bellísimo láudate dominus  en notas ascendentes pero calladas.

Después de un cuidadoso estudio de la partitura, como suele suceder, la forma de la obra se dio de manera casi inconsciente. Contreras recuerda: “sin proponérmelo me acerqué al número doce, uso doce bailarines, doce rutinas y doce pasos. Es como si estuviera hablando de los discípulos de Cristo”. La obra se estrenó en 1981 con la escenografía, el vestuario y la iluminación de José Cuervo que proporcionan un inmejorable marco a la obra.

GREGORIO LUKE

 

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THE THREE GRACES

ESTRENO

Coreografía: Sarah Matry Guerre

Música: Cube de DNGLS- Lukarne, de Murcof                    

Diseño de vestuario: Pineda Covalin

Estreno TCUNAM: 2018

Duración: 4’ 30”        

 

The Three Graces es un ejercicio coréografico que se enfoca en la repetición y alteración del tema principal.  Se refiere a "las virtudes” conocidas en la mitología griega como Las tres Gracias: diosas del encanto, la belleza y la creatividad.

 

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TRANSICIONES

Coreografía: Ana Laura Barragán, Héctor León, Alfredo Tame y Alia Velasco

Música: Water from the same source, de Rachel's

Diseño de vestuario: Carolina Jiménez

Estreno mundial: UNAM, 2017

Duración: 6’  21”

Es “testimonio de un proceso de búsqueda, cambio y avance", así lo conciben sus cuatro creadores. Es un colectivo que pretende una exploración del movimiento a partir del entorno y experiencias de sus autores y en la cual existe un diálogo que nace a partir del estudio de la música.